目录加载中...
在叶少卿别墅的专用会议室里，百叶窗将正午的阳光切割成窄条，落在长桌中央的剧本上。
《笔仙惊魂》四个黑体字透着森然。
叶少卿指尖敲了敲剧本封面，抬眼看向对面的杨蜜、刘茜茜跟新加入的秦兰，抛出问题：“你们觉得，最近几年好莱坞最火、最赚钱的类型片是什么？”
“肯定是超级英雄啊！”
刘茜茜脱口而出，话刚说完就被杨蜜打断道，“不对，是惊悚片。像温子仁的招魂，第一部的投资仅仅只有2000万美元，最后票房接近4亿美元，招魂2投资4000万美元最终票房也还是破了3亿美元，而且都没在内地上映。最近这几年还有像《遗传厄运》《逃出绝命镇》也都是低成本高回报的黑马。”
“没错。”叶少卿赞许地点头，看得出杨老板还是有些功底跟脑子的，只见他起身走到白板前，用马克笔写下“惊悚片核心”，“成本低意味着主创能放开手脚试错，但这行有个外行不知道的秘密，拍惊悚片，摄影师比导演更重要。”
“啊？”秦兰很是意外的皱起眉，手里的笔差点掉在桌上，她跟很多圈内人一样，压根就没看得起摄影师过，一直都以为最厉害的是导演，主要内娱大多时候都是“导演中心制”。
也就是一种以导演为核心的艺术创作制度，导演在影视、动画及戏剧制作中掌握艺术领导权与最终裁决权。
该制度起源于苏联，可保障作品艺术风格的统一性，代表案例如吉卜力工作室以宫崎骏、高畑勋为核心的创作体系，因为内地的影视剧一直都是学习的老大哥，所以自然而然的保留了这种特色。
内地的导演跟好莱坞导演在权力、拍摄模式方面差别很大，内地的电影导演，尤其是大导演，需统筹前期筹备、中期制作与后期全流程，对艺术质量和成本核算承担主要责任。
而好莱坞这边则是典型的“制片人中心制”。
这是以制片人为核心的管理体制，起源于20世纪30年代好莱坞大制片厂时代，其核心特征为制片人掌控电影创作与经营的全流程控制权。
该制度形成于华尔街资本介入引发的电影业兼并潮，好莱坞八大制片厂通过类型化生产、流水线分工建立以制片人中心制为后台、明星中心制为前台的垄断体系。
制片人作为项目总负责人，统筹剧本策划、资金筹措、团队组建、拍摄制作至宣传发行的全流程管理，并拥有选聘主创人员及签订合同的决策权。
20世纪中叶后好莱坞转向导演资本制，但仍保留制片人对最终剪辑权的控制。
内地电影市场自2015年起逐步向制片人中心制转型，强调通过市场调研和团队协作平衡艺术创作与商业价值。
该制度要求制片人具备策划、管理、经营等综合能力，并需遵守职业道德规范抵制行业不良风气。
从这里就能看出内地明显转型不太成功，甚至是在转型过程中，连原本的一些闪光点都丢掉了，典型的画虎不成反类犬，取其糟粕去其精华。
在行业内也可以用苏氏跟美式来形容。
追梦人这边其实就是制片人中心制，导演有一定的权利，但主要负责拍摄部分，包括布景跟演员的建议权，最终剪辑权在制片人手里，同意用导演的，才是你的，不同意，你压根插手不到成片剪辑，也包括后期跟特效。
“我一直以为导演才是总指挥，怎么会摄影师更关键？”秦兰小心的提出了自己的疑问。
范姐跟李姐虽然不打算拍，但也跟其他人一样，老老实实听课，增长见识。
“因为惊悚的根在视觉。”叶少卿转身指向身后的投影屏，画面切换到《隔山有眼》的沙漠场景。
烈日下的黄沙泛着惨白，远处的山脉像狰狞的兽脊。
“你们看这片沙漠，明明是开阔的空间，却让人觉得窒息。这就是摄影师的本事。好莱坞顶尖摄影师都要过‘惊悚片’这一关，能拍出经典惊悚片的，才算真正站稳脚跟。”
杨蜜忽然想起《孤岛惊魂》的拍摄经历，忍不住插话：“我当年拍下雨的戏，导演总让摄影师把镜头推得很近，说这样显压抑。但拍出来效果很奇怪，明明是恐怖片，画面却糊成一团，观众都吐槽‘看不清谁在吓人’。”
“这就是没吃透光影的精髓。”叶少卿切换画面，左边是摄影师库布里克《闪灵》的走廊场景，明亮的灯光下，地毯的花纹却透着诡异；右边是摄影师伍迪·艾伦《魔力月光》的惊悚片段，画面昏暗却清晰勾勒出演员的侧脸。
“你看，库布里克让明亮变得‘严酷’，伍迪·艾伦让黑暗变得‘浪漫’。顶级摄影师不会被题材束缚，他们玩的是黑暗与色彩的平衡。把美丽的屋子变成噩梦，让荒无人烟的沙漠藏着窥视的眼睛，这些都要靠镜头语言说话。”
刘茜茜翻着剧本里的分镜图，疑惑地问：“那翻拍的片子呢？摄影师不用看原作吗？我要是拍《咒怨》翻拍版，肯定得先研究原版的镜头啊。”
“所以你很菜啊。”叶少卿笑了笑，“恰恰相反，亚历山大·阿嘉拍《隔山有眼》时，特意不让摄影师看原作。他要的是全新的视觉语言，不是复刻。
导演和主演需要吃透原著，但摄影师的任务是赋予作品新的色彩和感受。
就像你读一本恐怖小说，每个人脑海里的画面都不同，摄影师要做的，是把最能戳中观众恐惧点的画面提炼出来。”
秦兰托着下巴，若有所思：“那拍的时候，色彩和光影怎么定啊？比如一场深夜卧室戏，是拍得全黑只剩月光，还是留盏台灯营造阴影？”
“这就是最考验团队的地方。”叶少卿拿起桌上的色卡，“一般情况下，在开拍前，导演组会花一周时间讨论色调，没有完全统一的答案，只能反复校准。
导演想在阴影里藏不安，编剧想让月光露破绽，而摄影师要平衡两者。
黑到什么程度？
能看清演员的表情，又能让衣柜里的黑影透着威胁，这个‘度’得磨。”
叶少卿顿了顿，补充道：“早年技术有限，光源少，反而能聚焦本质。比如只用窗户光，就能拍出角色从平静到崩溃的情绪变化。现在技术好了，更做减法，把五彩缤纷的现实，提炼成直击人心的恐惧。”
“我算发现了，惊悚片看着简单，其实比大制作还难。”杨蜜想起拍《孤岛惊魂》时的一场屠杀戏，“当年《孤岛惊魂》拍反派砍人的镜头，光准备假肢和血浆就花了三天，一条过不了就得全部重来。有次血浆溅到我眼睛里，吓得我好几天做噩梦。”
“这就是外行的误区。”叶少卿的表情严肃起来，“很多人觉得惊悚片剧情套路，成本低就好拍，这种傲慢最容易失败。
你以为拍餐馆10分钟的对话戏很难？
其实拍半秒的斩首镜头更难。
血管的位置、假肢的角度、血浆喷出的力度，每一个细节都要精准。所以定格拍摄和分镜图必须做到极致，这时候导演的重要性就体现出来了，啥都不懂的跨界导演，根本镇不住场。”
刘茜茜翻到剧本里的一场地下室戏，指着分镜图问：“那这场戏，我们是用冷光突出铁笼的阴森，还是用暖光反衬血腥？”
叶少卿走到她身边，指尖点在分镜图的铁笼上：“用冷光打底，在铁笼上方加一盏暖光小灯。暖光会在演员脸上投下斑驳的影子，既让观众看清表情，又让铁笼的阴影像爪子一样抓着他。
我们要在黑暗里藏细节，演员皮肤的冷汗、铁笼上的锈迹、地上血浆的反光，这些细节才是惊悚片的灵魂。”
杨蜜拿出手机，翻出当年《孤岛惊魂》的片场照，照片里的她站在昏暗的山洞里，脸上的打光生硬又突兀。
“现在才明白，当年拍错了。不是画面越黑越吓人，是让观众看到‘一半’，剩下的靠想象补全，这才是最恐怖的。”
“说得好，你能理解到这点，算是抓住一点精髓了。”叶少卿关掉投影，会议室里的光线重新变得柔和，“惊悚片的本质，是用视觉撬动观众的心理。我们不是拍血腥，是拍血腥背后的恐惧；不是拍黑暗，是拍黑暗里藏着的未知。
所以之后正式开机后，你们要习惯在光影里找感觉。
当镜头对准你时，你的眼神要配合光影变化，哪怕只是一个细微的颤抖，都能让观众毛骨悚然。”
刘茜茜用力点头，在剧本上写下“光影=恐惧”；秦兰则把色卡塞进剧本里，标注上“冷光藏威胁，暖光衬不安”；杨蜜看着手机里的旧照片，嘴角露出释然的笑，原来当年是没遇到真正专业的剧组，不是因为题材老套，而是没摸清光影跟心理营造这些门道。
这一次，她终于有机会重新证明，在镜头前，她也可以真正演绎出“看得见的恐惧”。
不过叶少卿其实是在看三个女人的身材，尤其是幂姐的36E，奔跑起来有胎动的感觉，这才是最好的视觉冲击，他是一直都觉得幂姐很适合拍惊悚片，只有这类型的电影最能发挥她的特色。
仙偶古偶什么的其实压根就不适合现在的她。
刘茜茜演被邪灵附身挺不错的。
至于秦兰这样的美御姐，疯批主妇其实挺适合她的。
所谓的笔仙其实就是招魂的翻版，类似的灵异游戏，华夏很多，老美这边也不少，最后的结局不外乎全都是不作不死。